2️⃣分析文艺复兴时期艺术家的地位

在当代艺术中，无论是传统或是先锋的艺术流派或表现形式，“艺术”一词都被指向一种高级、精神性的标签。而从事艺术创作的艺术家也被看作是“神秘”或是天才般存在。但其实，从古希腊开始，艺术家的地位发展至今，经历了许多思想者的意识觉醒，而文艺复兴正是其中一个关键节点。在文艺复兴之前，艺术家地位普遍低下。如柏拉图在《理想国》中构建的理想城邦金字塔，绘画、雕塑和建筑及其他艺术创作被认为是最低等的，艺术家在那时也只是“工匠”。这种情况到中世纪中略有改善，在《图示与精神》中提到中世纪的罗马式浅浮雕已出现艺术家名字的雕刻，为宗教服务的艺术品开始有了署名，这都可以视作是文艺复兴艺术家地位提升的先声。关于艺术家地位的问题至文艺复兴时期有了明显改善，随着经济的发展，赞助群体扩大，上流社会与贵族纷纷赞助艺术创作，艺术家也不再满足于传统“工匠”的身份，西方美术史之父瓦萨里写作的《名人传》，就是为画家树碑立传，这在古代只有皇家或贵族才能享受的殊荣。正如查尔斯·霍普斯所说:“这是第一部真正的艺术家传记，在之后的20世纪相关著作均以其为范本。”是什么导致艺术家地位在这一时期发生巨变呢?首先,在文艺复兴“以人为本”的核心思想的影响之下，不可避免的会使艺术家群体自我意识开始觉醒。比如上述说到的瓦萨里为同时代艺术家立传以满足艺术家自身在行会中的自豪感与使命感,且艺术家自画像和画中署名现象增多，这虽并不是文艺复兴的原创，但也可以看出艺术家对自我身份的彰显，从丢勒的正面自画像之中，就不难窥探出这一点。其次，画家群体对“艺术”下了更科学系统的定义，使艺术成为了一门科学的学科，艺术家也得以摆脱“工匠”的身份。阿尔贝蒂在《论绘画》中提到自然是绘画的源泉，达芬奇在此基础之上又指出“作画单凭实践及肉眼判断而不运用理性的画家就像一面镜子，只会抄袭，而对它们的本质一无所知。”因此，达芬奇强调艺术的科学性，并将其与天文学、几何学等相提并论，证明了绘画不是“机械的手工劳动”而是一门科学。故他认为，一个画家需要描绘两样东西:人和他的思想意图。可以说，他强调了艺术家在创作过程中的主体地位，使得大众将目光聚焦到了作品背后的人。